Espacio del Rock N Roll

Los Mejores Discos de la Historia del Rock

2007-11-14T20:15:00.004-02:00

Este es mi humilde aporte hacia los que un servidor considera los mejores discos de la historia del Rock, si bien muchos estarán en desacuerdo con alguno o algunos de ellos, se hace muy difícil desvalorizar la calidad de los discos que mostrare a continuación, y sobre todo la repercusión social y personal que cada uno de ellos tuvieron. Es cierto que faltan muchos discos por nombrar, por lo tanto con el paso del tiempo y con las opiniones que vaya recibiendo, iré formando una lista cada vez más completa y adecuada posible a la opinión de todos.

The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967)

The Beatles: John Lennon (vocales, guitarra, teclado), Paul Mcartney (vocales, bajo), George Harrison (guitarra, vocales), Ringo Starr (vocales, batería).

Este disco, lanzado en 1967, corresponde a un periodo de tiempo en donde el grupo dejó las actuaciones en directo - en agosto de 1966- ya que estaban hastiados de ellas, y estaban cansados de carecer de tiempo libre e intimidad. En cuanto a la idea de Sgt. Pepper... Sir Paul McCartney comentaba "La idea la habíamos tomado de algo que habíamos escuchado sobre una gira hecha por el Cadillac de Elvis. «¡Qué brillante!», pensamos. «Elvis no sale de gira, sino que sólo manda a su Cadillac.¡Fantástico!»" .
Desde entonces, la famosa historia del colorido Sargento Pimienta, de Lucy en el cielo con diamantes, del Sr. Kite y de la adorable Rita. El álbum fue producto de experimentos de estudio, y en una época en donde los diarios no dejaban de presionar: "¿Dónde están los Beatles?" "¿Se les acabaron las ideas?" "Los Beatles están acabados!".. con duros comentarios..

La idea central del álbum consistió en que los Beatles tomaron el papel de La banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta, dejando atrás limitaciones y transformando al rock en objeto de culto. En 13 canciones llevan al límite el concepto del rock, agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales, rock, music hall, baladas, jazz y hasta música oriental.

Lista de canciones

1- Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (2:04) 2- With a Little Help from My Friends (2:46) 3- Lucy in the Sky with Diamonds (3:30) 4- Getting Better (2:49) 5- Fixing A Hole (2:38) 6- She's Leaving Home (3:37) 7- Being for the Benefit of Mr. Kite! (2:39) 8- Within You Without You (*) (5:07) 9- When I'm Sixty-Four (2:37) 10- Lovely Rita (2:44) 11- Good Morning Good Morning (2:43) 12- Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise) (1:20) 13- A Day in the Life (5:33)

Todas las canciones escritas por John Lennon y Paul McCartney; excepto (*) escrita por George Harrison. Producido por George Martin. 1967.

El disco comienza con ruido proveniente de un público expectante que explota con los primeros riffs de guitarra eléctrica de la canción que da título al disco. El resto de la canción es una mezcla de guitarras, cornos y voces de los cuatro Beatles. Después de ese tema, sin pausas ni silencios, empieza "With a Little Help from My Friends", cantada por el baterista Ringo Starr - una oda a la amistad con una contagiante sensación de esperanza y un respiro entre las potentes guitarras de la primera canción y la psicodelia de la tercera. Entre los temas mas destacados del disco se encuentran:

"Lucy in the Sky with Diamonds" de Lennon, con una letra que nos traslada a un mundo donde todo puede suceder. Se ha especulado que sus iniciales - LSD - coinciden con la droga que los Beatles consumieron, aunque John ha desmentido esto, alegando que el título aludía a un dibujo de su hijo. La psicodélica melodía fue alterada al extremo que se piensa que cada nota está con una velocidad superior o inferior a la anterior. Según John Lennon la idea de este mítico tema surgió de un dibujo que realizó su primer hijo Julian. El niño le enseñó a su padre un dibujo en el que una niña sonreía y sus ojos parecían piedras preciosas, Julian le dijo a su padre "Look dad, is Lucy, in the sky with diamonds" en español esto seria: "Mira papá, es Lucy, en el cielo con diamantes"

"Getting Better" es otro de los temas que cambia las estructuras básicas del rock para transformarlas en algo totalmente nuevo. Con sus arreglos de sonido y su particular y constante guitarra, este tema es un canto a la felicidad y esperanza de cambio. En este título se aprecia, en la letra, el contraste de las actitudes de Lennon y McCartney. Se dice, según los mismos Beatles, que "Getting Better" era una frase muy repetida por Jimmy Nicol, el baterista que alguna vez suplió a Ringo Starr en algunas giras.

"A Day in the Life", una obra de arte creada tanto por Lennon como por McCartney, un bis basado en un collage, noticias tomadas en un periódico y sus respectivas reflexiones en la voz nasal y soñadora de John, permitiéndole hacer una visión critica muy especial de lo que se describe en la canción. Todo en un medio difuso y borroso, aunque bello y casi acústico, que se va sumergiendo poco a poco en un ascendente ruido sinfónico que se eleva y se eleva desde el acorde de Sol mayor (en el que está la melodía de Lennon) hasta llegar con las notas más agudas posibles al acorde de Mi mayor para abrir el tema compuesto por McCartney.

The Jimi Hendrix Experience – Are You Experienced? (1967)

The Jimi Hendrix Experience: Jimi Hendrix (guitarra,vocales), Noel Redding (bajo), Mitch Mitchell (batería).

Es el álbum debut de The Jimi Hendrix Experience (la banda de Jimi Hendrix), que fue lanzado en 1967, y con el cual estableció a Hendrix como uno de los artistas de rock más importantes de su época, gracias a su innovadora técnica y el uso de feedback. Es frecuentemente considerado uno de los mejores y más importantes álbumes en la historia del rock.
Este disco supuso un quiebre enorme en la música de ese entonces. Hendrix sorprendía a toneladas de individuos con los enfermizos y desorbitantes sonidos que emanaba su querida Stratocaster.

Atmósferas envolventes y llenas de matices se puede apreciar en temas como “Are you experienced?”, partiendo de un blues rock hermoso y de altísima calidad, sumada también una cantidad considerable de funk y soul. La “Hendrix experience” se lucía con canciones como “Foxy lady” (con todo el poder en ese riff inicial), “Can you see me?” y “Fire” (tan impactante como breve, un clásico), aunque no se deben dejar de lado genialidades como “Manic depression” o “Red house”, no tan populares como las primeras 3, pero con la misma genialidad de Hedrix marcada. En fin, “Are you experienced?” es, quizás, el mejor punto de partida para conocer la música de los años sesenta, es sin duda todo un clásico inigualable.

Lista de canciones

1- "Foxey Lady" (3:19) 2- Manic Depression (3:42) 3- Red House (3:42) 4- Can You See Me (2:33) 5- Love Or Confusion (3:11) 6- I Don't Live Today (3:55) 7- May This Be Love (3:11) 8- Fire (2:43) 9- Third Stone From The Sun (6:44) 10- Remember (2:48) 11- Are You Experienced? (4:14)

• Todas las canciones fueron escritas por Jimi Hendrix, excepto ""Hey Joe" que fue escrita por Billy Roberts.

Led Zeppelin - Led Zeppelin IV (1971)

Led Zeppelin: Robert Plant (vocales), Jimmy Page (guitarra), John Bonham (bateria), John Paul Jones (bajo, teclado).

Este album es reconocido comúnmente como Untitled y principalmente como IV por pura inercia, publicado el 8 de noviembre de 1971, fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), en el que se destaca su éxito más grande, Stairway To Heaven, además de clásicos de la banda como Black Dog, Rock and Roll, Going to California y When The Levee Breaks, de la cual destaca el imponente sonido atronador y pesado de la batería de John Bonham y guitarra (Jimmy Page). Jimmy Page, en cuanto a la prensa, se tomó personalmente las críticas provenientes del album anterior (Led Zeppelín III, 1970) las cuales acusaban al grupo de no ser mas que un montaje comercial ,lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarle, a excepción de cuatro extraños símbolos, o runas.

Uno para cada miembro de la banda. El disco comienza con un auténtico himno, "Blak Dog", una canción llena de fuerza, especialmente preparada para tocar en los conciertos por sus imponentes versiones en vivo.Es del más puro rock and roll, destacandose la virtuosa guitarra de J.Page y la genial voz de Robert Plant.

En la mitad del disco nos encontramos con la canción emblemática del Rock en general, "Stairway to Heaven", una canción de ocho minutos que comienza con una preciosa balada para ir creciendo poco a poco hasta terminar con la fuerza característica. Pocos dudan de que esta es quizás la mejor canción y con uno de los solos mas formidables de la historia del Rock.

Del tema Stairway To Heaven ciertas "teorías" afirman que contiene mensajes satánicos, según unos escuchándola al revés y según otros, al derecho, cosa que ha sido desmentida por los miembros del grupo en distintas ocasiones. En cualquier caso ya forma parte de la leyenda mitológica de la cultura rock.

Lista de canciones

1- Black Dog (Page/Plant/Jones) (4:55) 2- Rock and Roll (Page/Plant/Jones/Bonham) (3:40) 3- The Battle of Evermore (Page/Plant) (5:38) 4- Stairway to Heaven (Page/Plant) (8:01) 5 - Misty Mountain Hop (Page/Plant/Jones) (4:39) 6- Four Sticks (Page/Plant) (4:49) 7- Going to California (Page/Plant) (3:36) 8- When the Levee Breaks (Page/Plant/Jones/Bonham/Memphis Minnie) (7:08)

Deep Purple - Made in Japan (1973)

Deep Purple: Rod Evans (vocales), Ritchie Blackmore (guitarra), Roger Glover (Bajo), Jon Lord (teclado), Ian Paice (Bateria).

Había leído maravillas de este grupo, pero tuve que esperar a escucharlo con mis propios oídos, para darme cuenta de que lo que estaba escuchando era una auténtica joya. El Made in Japan está dividido en dos cd´s. El primero es una recopilación de los mejores momentos de la gira en Japón (15, 16, 17 de agosto de 1972, en Osaka y Tokio). El segundo disco esta conformado de una ampliación de los conciertos del primero con algunos bises que tocaban siempre en sus actuaciones (Black Nigth, Speed King y Lucille), siendo el resto de las demás canciones, las mismas que el primero pero en estudio y remasterizadas, sirviendo como muestra de la calidad del grupo y como prueba de que sus conciertos eran bastante fieles al sonido original. Hay instantes en este disco que no se han superado nunca en la historia del Rock, este disco es una muestra gloriosa de la potencia de Deep Purple en la cima de su creatividad, es una de las grabaciones en vivo más honradas que se han hecho nunca, (lo que recoge el disco es los que se oía en los conciertos, sin retoques de estudio ni aplausos pregrabados).

El sonido de la guitarra de R. Blackmore en Highway Star, es perfecto, su guitarra sale limpia sin artificios, directamente del amplificador, y suena muy muy Blackmore...

La segunda canción "Child in time", me deslumbró por su sencillez, su enorme tranquilidad y paz del comienzo, y la capacidad de ir subiendo poco a poco hasta llegar al punto más alto y volver a empezar desde el principio sin que se note.

De "Smoke on the Water" no hace falta decir nada, ya que es mundialmente conocida, y quizás sea por eso que es la que menos me gusta de todo el disco. Las demás canciones son todas del disco "Machine Head", aunque aquí se muestran muchos más largas, permitiendo a todos los componentes desarrollar solos sin importarles los minutos.

Lista de canciones

Cd 1- Made in Japan.

1- Highway Star (06:42) 2- child in time (12:18) 3- Smoke on the water (07:37) 4- The mule (drum solo) (09:28) 5- Strange kind of woman (09:52) 6- Lazy (10:27) 7- Space truckin´ (19:53)

Cd 2 – Bonus Disc.

1- Black night (06:17) 2- Speed king (07:25) 3- Lucille (08:03) 4- Highway star (06:08) (remastered album version) 5- Child in time (12:24) (remastered album version) 6- Smoke on the water (05:42) (remastered album version) 7- The mule (9:49) (remastered album version) 8- Strange kina of woman (9:35) (remastered album version) 9- Lazy (10:50) (remastered album version) 10- Space truckin´ (19:41) (remastered album version)

The Rolling Stones - Sticky Fingers (1971)

The Rolling Stones: Mick Jagger (vocales, guitarra, armonica), Keith Richards (guitarra, vocales), Mick Taylor (guitarra), Bill Wyman (bajo, teclado), Charlie Watts (batería).

Sticky Fingers es el segundo de los trabajos de los Rolling Stones producido por Jimmy Miller y el primero que cuenta con la participación íntegra de Mick Taylor como miembro del grupo, ya que en Let It Bleed (su anterior disco de estudio) sólo aparecía en algunas canciones. También fue el primer disco editado por el sello discográfico del grupo, Rolling Stones Records. Otros aspectos destacables son que en su portada aparece el diseño que se transformara posteriormente en el símbolo de los Stones.

Historia

Las sesiones de grabación del álbum comenzaron en el invierno de 1970 en Stragroves, la casa de campo de Jagger situada cerca de Newbury (Berkshire); también se usó algo de material grabado previamente en los Muscle Shoals Studios de Alabama en diciembre de 1969. Durante estas primeras sesiones, también se perfilaron algunos temas de su siguiente álbum, Exile on Main St., como fue el caso de Tumbling Dice. La grabación continuaría a lo largo del año en Stargroves y en los Olympic Studios y finalizaría en los primeros meses de 1971.

El contrato del grupo con Decca Records, su primera discográfica, finalizó en 1970. Con ello, el grupo esperaba gozar de una absoluta libertad para elaborar sus trabajos, tanto en lo que se refería al contenido de las letras como al diseño de las portadas (por ejemplo, la compañía había censurado la portada preparada para Beggars Banquet, que consistía en un retrete con grafitis llenos de insultos). Como el grupo aún le debía un último sencillo a la discográfica, decidieron enviar una canción titulada Cocksucker Blues, con una letra obscena que la hacía impublicable. En su lugar, la compañía decidió editar Street Fighting Man, tema que ya tenía dos años de antigüedad. No obstante, el vencimiento de este contrato no libró al grupo de un nuevo sobresalto, que se produjo cuando descubrieron que descuidadamente habían firmado la cesión de todo su trabajo de los sesenta al que pronto se iba a convertir en su ex-mánager, Allen Klein. Por este motivo, todos sus discos de este periodo han sido publicados desde entonces por la compañía fundada por Klein, ABKCO Records. El álbum fue precedido por la publicación el 16 de abril de 1971 del primer sencillo, Brown Sugar, realizada en el nuevo sello del grupo, Rolling Stones Records.
El sencillo alcanzó el número 1 en los Estados Unidos y el número 2 en Inglaterra. En los Estados Unidos también se publicó un segundo sencillo formado por Wild Horses y Sway, consiguiendo la primera posición a ambos lados del Atlántico.

Apoyo Gráfico

En cuanto a la portada del álbum, esta fue realizada a partir de un diseño del artista pop art Andy Warhol, la cual estaba formada por unos pantalones vaqueros con una cremallera de verdad que se abría. Esta portada fue censurada en España y sustituida por otra en la que unos dedos salían del interior de una lata de melaza. Este último trabajo interpretaba con literalidad el título del disco: Sticky Fingers significa en castellano "dedos pegajosos". En el año 2003, el canal estadounidense VH1 eligió la portada original del álbum como la primera de su lista de las cincuenta mejores portadas. En el disco también hizo su aparición , como se menciono anteriormente, el logotipo de los Stones, la lengua y labios diseñados por Mick Jagger y el diseñador John Pashe.La inspiración para el diseño procedió de la diosa hinduista Kali.

Lista de canciones

1- Brown Sugar (3:50) 2- Sway (3:52) 3- Wild Horses (5:44) 4- Can't You Hear Me Knocking (7:15) 5- You Gotta Move (2:34) 6- Bitch (3:37) 7- I Got The Blues (3:54) 8- Sister Morphine (5:34) 9- Dead Flowers (4:05) 10- Moonlight Mile (5:56).

Brown Sugar, fue la canción más exitosa del álbum. Fue compuesta principalmente por Jagger, durante el rodaje en Australia de la película Ned Kelly.

Su letra era controvertida y ambigua, admitiendo dos posibles interpretaciones: que la canción y el título se refieran a una muchacha de color o a la heroína (Brown Sugar significa "azúcar moreno" en castellano). Precisamente las alusiones a las drogas eran constantes en todo el disco y se produjeron en un momento en el que se agravaron los problemas de adicción de Keith Richards. En cuanto a las otras canciones más destacadas, Sway, al igual que Moonlight Mile, contaba al final con arreglos de cuerda de Paul Buckmaster, que trabajaba habitualmente para Elton John. Wild Horses era, por su parte, una emotiva balada con influencia de la música country.

La música fue compuesta por Richards, mientras que la letra corrió a cargo de Jagger. Esta canción ha conocido numerosas versiones de otros grupos y artistas como Dave Matthews, Garbage o los Guns N'Roses. La canción, Can't You Hear Me Knocking mostraba las aptitudes del nuevo guitarrista del grupo, Mick Taylor. Frente a la versatilidad de su predecesor, Brian Jones, quien era capaz de tocar un importante número de instrumentos, Taylor, era más destacado como solista y su presencia reforzó el tono de blues de los trabajos de los Stones de la primera mitad de los setenta. Entre otras canciones, La letra de Sister Morphine narra con intensidad la agonía de un hombre en el hospital, a causa de una sobredosis, y sus deseos de conseguir morfina. Sister Morphine fue censurada en España y sustituida por la versión de Let It Rock. Dead Flowers era otra muestra de un género muy cultivado por el grupo: el de la parodia de la música country.

Guns and Roses - Appetite for destruction (1987)

Guns and Roses: Axl Rose (vocales), Slash (guitarra), Duff McKagan (bajo), Izzy Stradlin (guitarra), Steven Adler (batería).

Se trata del álbum debut más vendido de la historia. Solamente en Estados Unidos vendió cerca de 15 millones de copias. Esto fue un año después de lanzado, ya que en el primer año había vendido solamente 500 mil discos, en 1987. Lanzado un 21 de julio de 1987, el album miraba atras y adelante: un sonido punk crudo y el arte doloroso de sus letras tendian un puente entre el rock comercial de los 80´ y la música alternativa de la década que venía.

Este disco fue toda una revolución para el hard rock a finales de los 80', era un disco sucio, peligroso y corrosivo lanzado en un periodo no muy bueno para el género. Por lo tanto, los guns se vieron a sí mismos como los encargados de revivir el desaparecido espiritu rebelde del rock..

Superficialmente, Guns N' Roses pueden parecer un grupo que no proclamaba nada nuevo, sexo, alcohol, drogas, y rock and roll, pero hay cierto aroma desagradable en sus canciones, en gran parte debido a que Axl Rose no encuentra demasiada diversión en el entorno urbano de Los Ángeles y en sus ambientes llenos de heavy metal, mujeres baratas, bebida y crimen trayendo consigo una atmosfera rodeada de pesimismo y agresión con temas repugnantemente increíbles como “welcome to the jungle", "Mr Brownstone","Rocket Queen" , "Paradise City".

Sin embargo, en canciones como "Sweet Child o Mine" , "Think About You" , se puede ver un aspecto mucho más dulce y melancólico, denotando que este cd en sus líricas tambien contiene su lado sensitivo.
Pero las letras que Axl escupe a voz en grito, no serían efectivas sin la interacción de guitarras entre Slash y Izzy Stradlind, que rasgaban los riffs y los solos mejor que cualquier banda desde Rolling Stones. Los solos de Slash no hubieran podido resultar tan increíbles sin el gran acompañamiento de guitarra de Izzy, escuchandose tan pegajosos como las melodías sonando a bendicion.

En cuanto a la difusion del disco, primeramente la cadena MTV se había negado a mostrar videos de la banda, porque la cubierta original del disco, basado en una pintura de Robert Williams, mostraba un robot violador, lo cual fue considerado ofensivo para la cadena televisiva.

La banda cambio entonces la cubierta, y puso la original dentro del disco, mostrando ahora un crucifijo con los cráneos de los cinco miembros de la banda. Esto no fue suficiente para MTV, y la cadena continuó con su bloqueo. Finalmente, David Geffen, entonces presidente de Geffen Records(discográfica que representaba en su momento a los Guns), llamó a MTV y rogó que mostraran el vídeo de "Welcome to the Jungle". MTV accedió a mostrarlo solo una vez a las 2 de la madrugada. Luego de esto, MTV se inundó de pedidos por el video y la canción llegó a ser la más solicitada en la cadena en solo 24 horas.

El disco como ente es increible, formidable, la cual contaba con un "ansia por destruir" la imagen quedada atrás o estatus que habia perdido el hard rock de esa epoca. "Appetite for Destruction" es considerado como uno de los discos mas importantes del metal en la decada del 80, ya sea por el gran reconocimiento de sus canciones(las cuales han influenciado la escena musical de la música popular de los EE.UU) y de este modo convirtiéndose en un disco invaluable en cuanto a sus aspectos musicales.

Lista de canciones

1- Welcome to the Jungle (4:31) 2- It's So Easy (3:21) 3- Nightrain (4:26) 4- Out ta Get Me (4:20) 5- Mr. Brownstone (3:46) 6- Paradise City (6:46) 7- My Michelle (3:39) 8- Think About You (3:50) 9- Sweet Child o' Mine (5:56) 10- You're Crazy (3:15) 11- Anything Goes (3:25) 12- Rocket Queen (6:13)

Nirvana - Nevermind (1991)

Nirvana: Kurt Cobain (vocales, guitarra) Chris Novoselic (bajo, vocales),David Grohl (batería, vocales).

Kurt : "El disco se titula 'Nevermind' porque mucha gente prefiere olvidar o decir no importa antes que atrapar un spray de pintura o formar una banda" (Kurt, New Musical Express, septiembre 1991).

Nevermind lanzo estrepitosamente a Nirvana de la oscuridad relativa en la que se encontraba a las alturas del éxito comercial y crítico virtualmente de la noche a la mañana. El álbum alteró radicalmente el panorama musical, cambiando la atención del publico del hair metal de los 80 al movimiento grunge basado en Seattle, Washington, que dominó los primeros años de los 90. De aquí, yace la enorme importancia de este disco y como resultado de su éxito le abrío las puertas a otras bandas del área de Seattle como Pearl Jam, Soundgarden y Alice in Chains. Vale aclarar que Nirvana no inventó el Grunge, sino que logro sacarlo del círculo reducido en que se había desplegado, y expandirlo a todo el mundo. Las principales razones del gran impacto provocado por "Nevermind", hay que buscarlos en la incuestionable perfección del tema seleccionado como primer sencillo: "Smell Like Teen Spirit", en su correspondiente e inspirado video dirigido por Sam Bayer, expuesto de forma incansable a través de la cadena MTV.

Este primer sencillo se convirtió en un grito contra la apatía de nuestra generación. Surgida de un LP modesto por su presupuesto, convirtiéndose en un himno caracterizado por ser un texto cínico y dotado de numerosas contradicciones.
Los textos de las canciones del disco reflejan en general la tortuosa personalidad de Kurt Cobain y su pesimismo recalcitrante, algo que contrasta poderosamente con la fascinante perfección alcanzada de Nevermind como ente global. El sonido del disco surge espontáneo y potenciado por una producción intachable que no deja nada al azar, destacándose por los poderosos arreglos de guitarras distorsionadas, la batería destructiva, el bajo retumbante y la voz caótica de la banda en un álbum diseñado para un publico variado, y colocando un estandarte en la música rock de los 90.

En la portada del álbum se muestra a un bebé desnudo nadando detrás de un billete en un garfio de pesca. Según Cobain, él mismo concibió la idea mientras veía un programa de televisión sobre nacimientos en el agua con el baterista Dave Grohl. El garfio y el billete también fueron sus ideas, y fueron impuestas desde primera instancia por el cantante. La representante discográfica de Nirvana (Geffen rocords) preparó una portada alternativa sin el pene, temiendo que ofendiera a algunas personas, pero cancelaron estos planes cuando Cobain dejo en claro que el único compromiso que aceptaría entonces sería un sello que cubriera el pene, acusando a cualquiera que estuviera ofendido de ser un "pedófilo".

Lista de canciones

1- Smells Like Teen Spirit (Cobain/Grohl/Novoselic) (5:02) 2- In Bloom (4:15) 3- Come as You Are (3:39) 4- Breed (3:04) 5- Lithium (4:17) 6- Polly (2:56) 7- Territorial Pissings (2:23) 8- Drain You (3:44) 9- Lounge Act (2:37) 10- Stay Away (3:33) 11- On a Plain (3:17) 12- Something in the Way (3:51)

Historia del Rock

2007-09-24T22:53:00.010-03:00

El rock surge mediado el siglo en Estados Unidos. Considerado sinónimo de la "música del siglo XX", el rock pierde con los años el marcado carácter anglosajón que tiene en sus orígenes para transformarse en un lenguaje universal y sometido a continuo cambio.
Al surgir de un modo espectacular y desarrollarse en principio como un fenómeno de masas que trastornó la vida y los ideales de Norteamérica, no puede considerarse como un movimiento musical en sentido estricto. Sus raíces son tan plurales que sintetiza las principales ramas de la llamada música popular estadounidense, sobre todo el blues, el rhythm and blues, el gospel y el country and western.

El rock encuentra en su mas profunda esencia en la música de los afroamericanos, tanto era así que el compositor y bluesman negro Muddy Waters, (1915-1983), era considerado como "un hijo del rhythm and blues al que llamaron rock". A raíz de esto, numerosas organizaciones racistas estadounidenses afirmaban con desprecio y energía, según sus panfletos y los abundantes testimonios de sus líderes de entonces, que el rock representaba la música que "rebajaba al hombre blanco a la categoría del negro".

La síntesis ligera de blues y rhythm and blues, como se la denominó durante mucho tiempo, hallaría su ídolo fundacional a mediados de los años cincuenta en la figura de Elvis ("The Pelvis") Presley (1935-1977), aun cuando desde la primera grabación de blues registrada en la historia ('Crazy Blues', un tema cantado en 1920 por Mammie Smith) hubieran pasado casi tres décadas.

Otros acontecimientos claves en la historia del rock fueron la llamada "invasión inglesa" la música británica se hacía presente y, como ocurriría de ahí en adelante, demostraría que a partir de ahí irían siempre un paso adelante a lo que se creara en Estados Unidos.

Entonces el mundo entero vibró a ritmo de The Kinks, The Animals, The Who, The Zombies, The Shadows, The Hollies y, por supuesto, con The Beatles y The Rolling Stones, las dos bandas más importantes e influyentes en la historia del rock.

En tanto, en Estados Unidos la respuesta llegaría unos años después, cuando pasada la mitad de la década el rock ácido y la psicodelia se apoderaría de la escena y traería un nuevo movimiento al rock, quizá el más trascendente y de gran repercusión social y cultural.
De esa generación destacan Jimi Hendrix (considerado como el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos), Janis Joplin, The Doors, The Jefferson Airplane, The Greateful Dead, The Byrds, Country Joe & The Fish, y una serie de grupos provenientes principalmente de la Costa Oeste de los Estados Unidos.

Elvis, el elegido

La fortuna esperaba a Elvis Aaron Presley, nacido en Tupelo, Mississippi, en enero de 1935. Pertenecía a una familia humilde del Sur americano (white trash, 'basura blanca' para los herederos de los ideales esclavistas de la Confederación) que se estableció en Memphis en 1948, pero en 1954 ya cantaba y grababa temas de Arthur Crudup y Bill Monroe, oscilando entre el blues, el gospel y el country rural.
Por aquella época el propósito de algunas compañías discográficas, ante la decadencia del country —el año nuevo de 1953 fallecía Hank Williams—, consistía en descubrir a cantantes que expresaran "sentimientos blancos" con fuerza, voces y corazones negros, y Elvis resultó el artista elegido en una época en que ya gozaban de relativo crédito solistas como Jerry Lee Lewis, 'el Asesino' (1935), Carl Perkins (1932), Johnny Cash (1932), Roy Orbison (1936) y Chuck Berry (1931). Salvo Berry, apoyado por Muddy Waters y una discográfica independiente de Chicago, los demás coincidirían en sus primeros trabajos al grabar en 1955 con el sello Sun Records, y de ahí nació la primera leyenda de los cinco pioneros o, en cualquier caso —en palabras de Jesús Ordovás—, de "los cinco grandes creadores del rock and roll".

Johnny B. Goode - Chuck Berry (1955)

Pero Elvis, gracias a su participación en diversos espectáculos masivos de Nashville a principios de 1956, de clara significación country, pudo renunciar a su condición de héroe local que goza del interés de una audiencia reducida pero fiel, y con habilidad, apoyándose en su tema 'Heartbreak hotel', atípico en el contexto donde lo presenta, deslumbra, hipnotiza a masas de quinceañeras y se alza con un triunfo que le catapulta en cuestión de pocos días al primer puesto de la lista de éxitos de Estados Unidos.

Heartbreaker Hotel - Elvis Presley (1954)

Con 'Heartbreak hotel' estalla el fenómeno de los teenagers (seguidores jóvenes de edades comprendidas entre los 13 y los 19 años, cifras que en inglés concluyen en teen), que dará el espaldarazo al joven y tímido cantante procedente de los más bajos estratos sociales, reconvertido en escasas semanas en ídolo de multitudes de jóvenes que ven personificado en él, hábil vocalista, diletante, bromista de gesticulación agresiva, y dado a las audacias sensuales en directo, al rebelde blanco que alcanza el irrenunciable sueño americano: triunfar. En 1955 había fallecido en accidente automovilístico James Dean, encarnación mítica y cinematográfica de la juventud rebelde y 'sin causa'. Elvis Presley tenía una causa, el rock, y transmitía inconformismo, ansia de rebelión y juventud.

Estrella de rock

Entre 1955 y 1958 el ascenso de Elvis es imparable: es un mito, un ídolo que rinde buenos réditos, pues cualquiera de sus canciones, que no se atienen a un estilo único o definido, logra ventas millonarias (ya contratado por Radio Corporation of America, RCA) y gana la devoción de millones de personas, dentro y fuera de su país. Las canciones, la histeria colectiva de sus seguidores en los conciertos y en consecuencia, la comercialidad, llaman a las puertas del cine, y las películas (El barrio contra mí, El rock de la cárcel) se convierten en un medio privilegiado para gozar del magnetismo espasmódico del que ya empieza a ser llamado, en perjuicio no sólo de Chuck Berry, Bill Haley, Jerry Lee Lewis, Roy Orbison, Cash y Perkins, sino de talentos que se incorporan a los insólitos ritmos frenéticos y juveniles de estos años (como Buddy Holly, Gene Vincent, Eddie Cochran, Ritchie Valens, Johnny Burnette, entre muchos otros), el 'rey del rock'. Elvis no es sólo una voz ni una capacidad para enloquecer al público mediante sus atrevidos movimientos —se prohibió emitirlos por televisión— y temas tan dulces o sinuosos como 'Love me Tender', 'Teddy Bear', 'Hound Dog', 'Jailhouse Rock' y 'King Creole': es una imagen, el remozado símbolo de la juventud, el carisma de la "Gran América", pero no por ello puede dejar de cumplir con la patria como soldado.
Es en 1958 cuando Elvis se incorpora al ejército, para volver a su país dos años después y codearse con mitos de otras generaciones e integrarse en la sociedad de las 'grandes estrellas': Frank Sinatra, Ann Margret, James Brown, Ed Sullivan, y multitud de personalidades estadounidenses le trataban como a un igual.
Elvis se plegará a partir de entonces, coincidiendo con un 'reblandecimiento' de las líneas maestras del rock, en una dinámica por la que habrá de rodar tres películas al año, grabar algunos discos en tanto distancia cada vez más sus actuaciones en público. Instalado en su mansión de Memphis, Graceland, dará sus conciertos en Las Vegas.
Habrán de transcurrir 10 años para que se produzca su reaparición pública, con la grabación de 'In the Ghetto', que le vuelve a situar en el primer puesto de las listas de éxito. Paralelamente, en el panorama del rock se han sucedido fenómenos trascendentales hacia los que 'el Rey' se muestra ajeno, por la comodidad de su status de héroe popular indiscutido, crooner (cantante melódico-romántico) ocasional y nostálgico de las melodías religiosas de su infancia: la eclosión de la música de los sesenta, la aparición de Bob Dylan, The Beatles, Van Morrison, The Who, The Band, The Rolling Stones, The Kinks, Yardbirds, por ejemplo, no reflejarán su influencia más allá de un reconocimiento de carácter generacional, pues según repetida expresión de la época, "todos habían crecido con Elvis". Tras brindar su apoyo a la dura política internacional de Richard Nixon, presidente de Estados Unidos, y prestarse a colaborar como agente federal en la lucha contra el tráfico de drogas en su país —pidió armas y placa al presidente en persona, ¡tras ser desestimada su propuesta por el FBI!— la decadencia de Elvis Presley fue imparable. Consumido por su adicción a los fármacos y el alcohol, vencido por el insomnio y las depresiones, sucumbió en la madrugada del 16 al 17 de agosto de 1977 en su finca de Graceland.

The Beatles

Desde principios de los sesenta el factor más destacado en el panorama del rock estriba en lo que ha venido en denominarse la 'respuesta británica', expresión que engloba las numerosas formas en que los músicos ingleses asumieron las rutilantes novedades procedentes de Estados Unidos.

La aparición de The Beatles en 1962, tras diversas intentonas previas para formar una banda estable, estimuladas por el inquieto John Winston Lennon (tuvo nombres como The Quarrymen o Johnny and the Moondogs, 1956-1959; Long John and the Silver Beatles, 1960; Beat Brothers o The Cavern, 1961, y The Silver Beatles, 1962) a quien secundaban de una forma regular Paul McCartney y George Harrison y con menor frecuencia el bajista Stu Sutcliffe y el batería Pete Best, supuso el germen de la 'revolución británica del rock'. Estos jóvenes de Liverpool realizaron diversas giras por Escocia y Alemania, grabaciones como grupo de apoyo de figuras de segunda categoría, hasta hallar en Brian Epstein al productor idóneo e idílico que llevará su carrera al estrellato.

I Want to Hold Your Hand - The Beatles (1963)

A partir de ese momento, guiados por Epstein, con un nuevo y potente batería llamado Ringo Starr, graban en los dos años siguientes más de 60 temas. El punto de partida es 'Love me Do', del que se venden más de 10.000 copias. El paso siguiente será el cine, de la mano del realizador Richard Lester (Qué noche la de aquel día, 1964 y Help!, 1965), en un tono muy distinto al que caracterizó la variable y populista carrera de Elvis en este campo. Es a través de las películas y de la denominada 'beatlemanía' que recorre el mundo, que la suma de individualidades que cristaliza en la banda se diversifica: Lennon actúa como líder conciso pero agresivo tras su aspecto tímido e intelectual; Harrison es el inquieto del conjunto, interesado por el country y el orientalismo; Ringo Starr es el desenfadado, un juerguista que descarga su fuerza en el escenario; Paul McCartney, atraído por el mercado discográfico —o quizá fascinado— no oculta su interés por componer temas estándar, en consonancia con las demandas del público adolescente, visibles en las listas comerciales. Son cuatro mundos muy distintos que acabarán por tomar rumbos divergentes.

The Long and Winding Road - The Beatles (1970)

All You Need Is Love - The Beatles (1967)

En 1964 el poeta beat Allen Ginsberg declarará que "la conciencia universal de la humanidad se encuentra ahora en Liverpool". El éxito de los cuatro jóvenes británicos trajeados de negro y con característico flequillo —nombrados en 1965 caballeros de la Orden del Imperio Británico— es absoluto y desborda a los componentes de la banda más allá de 1966, en que una vez que han triunfado en Estados Unidos, actúan juntos por última vez en San Francisco y se despiden de los escenarios.

En 1967, tras una época de intensa dedicación a doctrinas orientales y sus primeras experiencias con LSD, realizan en 'Revolver' una versión musical del Libro de los Muertos ('Tomorrow Never Knows') y publican su celebérrimo 'Yellow Submarine', pero en pleno éxito de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, donde empleaban en sus composiciones música electrónica y cantaban letras emblemáticas ('Lucy in the Sky with Diamonds' es la más famosa de sus composiciones psicodélicas), la muerte de Epstein coincide con el estallido de las diferencias y conflictos de la banda, que emprenden al cabo de un año la aventura de la productora Apple, concebida para apoyar en diferentes campos artísticos (cine, ropa, música) la revolución pop de la que The Beatles se sentían portadores privilegiados. Apple fue cerrada en 1969, anticipando dos años la ruptura definitiva de los componentes de la banda, cuyos integrantes emprendieron a partir de 1971 caminos en solitario, con distinta fortuna.

Paul McCartney & Wings - Live and let die (1973)

John Lennon - God (1970)

George Harrison - My Sweet Lord (The Concert for Bangladesh - 1971)

The Rolling Stones

El ansia por imprimir un cambio radical a las formas de vida, a través del rock and roll, quedó de manifiesto con la aparición en escena de The Rolling Stones, nombre tomado de un tema de Muddy Waters. Se presentaron en público el 12 de julio de 1962 en el Marquee de Londres, cuando todavía sus componentes eran una formación insegura. Representaban, entre los reducidos círculos en que se desenvolvían en sus principios, la esperanza británica del rhythm and blues británico y blanco y en poco tiempo lograron celebridad como áspera respuesta, procedente de la marginalidad, a la beatlemanía.
The Rolling Stones es un grupo musical británico de Rock and Roll, que junto a The Beatles sirvió como punta de lanza a la Invasión británica que se produjo en los primeros 60 . Formado en Londres en 1962 por Brian Jones, Mick Jagger y Keith Richards, el grupo comenzó a tocar Blues, R&B y Rock and Roll y más adelante experimentaron con otros géneros incluyendo Country, Rock psicodélico, Reggae, y Disco.

Se destacan, principalmente, sus melodías sencillas, y estructuras simples, donde no abundan demasiados acordes además de canciones crudas y llenas sexo, drogas y algunas de misoginia, en desmedro de la influencia "progresiva" de la época. También son conocidos popularmente como sus Majestades Satánicas, debido a su álbum de 1967 titulado Their Satanic Majesties Request, y aunque el disco fue un relativo fracaso, este mote les quedaría para siempre.

Sweet Virginia - The Rolling Stones (1972)

Sin embargo fue a traves de la propaganda de los medios de comunicacion britanicos acerca de una posible rivalidad del conjunto con los Beatles y a traves del álbum Aftermath (1966) donde alcanzaron reconocimiento. A partir del año siguiente se inicia la leyenda negra de los Stones, con las detenciones de Jones, Jagger y Richards acusados de posesión de estupefacientes. Al tiempo en que se edita Beggar's Banquet, Jones abandona la banda: es junio de1969 y al cabo de un mes se hallaría su cadáver en la piscina de su residencia privada. En ese mismo año se producen otros incidentes durante la gira que la banda emprende por Estados Unidos, destacando la tragedia de Altamont (California) cuando mientras Jagger canta su polémico tema 'Sympathy for Devil', un miembro del servicio de seguridad del concierto, perteneciente a la banda de motoristas Ángeles del Infierno, apuñala a un espectador exaltado, que moriría a causa de las heridas.
El alejamiento de los Stones respecto al público se prolongaría durante años, aun cuando no dejaran de editar álbumes: el que daría fama mundial al diseño del emblema de la banda, realizado por Andy Warhol a costa de los abultados labios de Jagger, Sticky Fingers (1970). Otros álbumes fundamentales en la extensa discografía de la banda, que ronda el medio centenar de álbumes oficiales, serían: Exile on Main Street (1972), It´s Only Rock and Roll (1974), Some Girls (1976), Black and Blue (1976), Tattoo You (1981), Dirty Work (1986) o Vodoo Lunge (1995).

Otras corrientes

Desde finales de los años sesenta el rock no ha dejado de aportar variantes y novedades respecto a las corrientes pioneras, hasta el punto de que resulta imposible su enumeración y ha perdido vigencia el planteamiento crítico según el cual un estilo se identificaba en función de una influencia dominante en un periodo de tiempo concreto. Ello no se halla en contradicción con el hecho de que, con frecuencia por derroteros trágicos, el rock haya generado una galería de mitos cuya influencia se deja sentir como un punto de referencia fundamental, como ocurre al evocar las figuras de Bessie Smith; del guitarra Jimi Hendrix; Keith Moon, de The Who; John Bonham, de Led Zeppelin; Bon Scott de AC/DC; Jim Morrison, de The Doors; Freddie Mercury, de Queen; Ian Curtis, de Joy Division; Phil Lynott, de Thin Lizzy; Steve Clark de Def Leppard; Johnny Thunders, de The Heartbreakers; el ex beatle John Lennon; Sid Vicious, de Sex Pistols, entre muchos otros. Pero a medida que se ha prolongado la historia del rock, se han multiplicado sus formas y orientaciones, muy a menudo mediante artificios comerciales, la recuperación de antiguas esencias, la reelaboración de viejos sonidos y la ampliación de los ámbitos de acción de las bandas.

Light my fire - The Doors (1967)

Si el rock se definía, en especial en Estados Unidos, como la música de las fiestas, del divertimento generacional o las reuniones sociales de la juventud, esta concepción varía de forma radical en los decenios siguientes cuando alcanza a territorios como el del compromiso político, como ocurre en el country, en el punk rock, en ciertas derivaciones del folk rock, el movimiento skatalítico, el rock urbano, el rap o el rock metálico; el experimentalismo plástico, como es frecuente en el glam rock, el rock sinfónico, la música electrónica, el pop neorromántico, la música de discoteca o la new age; la alta tecnología, como sucede en las corrientes más duras del tecno pop, el rock progresivo, el denominado rock 'artístico', el jazz rock de fusión, las diversas fórmulas sostenidas en la música de sintetizadores y el rock de consumo, reforzado por la estética del vídeo clip y una tendencia, todavía tímida pero en la que han comenzado a desarrollar diversas ideas artistas como John Cale, David Bowie, Peter Gabriel, hacia la interactividad.

Wallpapers

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Lo tenían todo .....

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Leyendas Bizarras

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Las extrañas historias que se cuentan sobre las estrellas de rock son muy persistentes. Se mantienen a través de los años a pesar de que muchas veces han sido comprobadas como falsas o el mismo protagonista lo ha desmentido. Muchas de ellas son altamente improbables, casi imposibles, aun así, siguen circulando de la manera más eficaz, cada vez que un amigo se encuentra con otro y le dice: “te enteraste lo de....?”

Elvis esta vivo y se oculta por algún motivo desconocido.

Aquí tenemos la contraparte, así como se cree que murió gente que esta viva, también se cree que sigue vivo alguien que fue enterrado hace muchos años. De todas las personas famosas muertas que han sido vistas caminando por ahí, el recordado "Rey del Rock" encabeza la lista con un amplio márgen, (hoy tendría 73 años). El segundo puesto posiblemente pertenezca a Jim Morrison.

Elvis encarnó a la perfección el sueño americano: chico blanco y pobre de Memphis, que trabaja conduciendo camiones, se hace millonario y famoso en todo el mundo, y además, adora a su mamá. Eso, unido a su voz única, han hecho que siempre permanezca vivo.

Existen decenas de paginas y blogs que comentan los “Avistajes de Elvis” en todo el mundo como si se trataran de un OVNI, donde los fans intercambian valiosa información como fotos o videos que muestran a un hombre canoso con varios kilos de más y una amplia sonrisa cómplice como si estuviera pensando “¿Me reconociste?, si soy yo”.

Los rumores sobre el falso funeral de Elvis Presley comenzaron cuando se descubrió que en el certificado de defunción se anotó mal su segundo nombre, por lo tanto en su tumba su segundo nombre el cual era Aron , esta escrito como Aaron.

Más tarde, el deseo de sus fanáticos y la cantidad de imitadores crearon la ilusión. Dicen los que saben que no pasa un día en los Estados Unidos sin que alguien asegura haberse cruzado con una persona sospechosamente parecida a Elvis.

La cultura popular ha adoptado la idea y juega con ella de manera constante. El cine por ejemplo, abunda en referencias al hecho de que Elvis todavía este en este mundo. Películas como "La muerte le sienta bien" (1992), "Día de la independencia" (1996), "Hombres de negro" (1997), "Planeta rojo" (2000) y "Duro de matar 2" (1990) son solo algunas en donde hay algún chiste al respecto. Retomando con la leyenda, son muchas las que circulan entorno a este icono del rock, pero en la que mas se hizo hincapie fue en la que cuenta que dos horas después de su muerte, un hombre llamado John Burrows sacó un billete de avión hacia Argentina. Este nombre era él que utilizaba a veces Elvis como pseudónimo, y John se parecía mucho físicamente a él. Unos años después, John Burrows, rebautizado artísticamente como Orion, comenzó a cantar imitando a Elvis, cubriendo parte de su cara con un antifaz. ¿John Burrows quiso aprovecharse del mito, o era realmente Elvis? Probablemente nunca se sabrá, porque el cantante que se hacía llamar Orion murió en 1998. Lo que sí es cierto es que hay detalles que no acaban de encajar.

Actualmente Elvis genera unos 24 millones de libras anuales. La mayoría van para Lisa Marie, actual dueña de Graceland y presidente de Elvis Presley Enterprises. Al poco tiempo de su muerte, Memphis se convirtió en lugar de peregrinación, y todo aquel que hubiera conocido a Elvis se animaba a publicar un libro. Hasta su peluquero lo hizo.

Marilyn Manson = Paul de Aquellos maravillosos años.

La leyenda cuenta que este cantante comercial que vende la imagen de “sádico malvado y loco” (sobretodo cuando hay una cámara delante o encima de un escenario..) interpretó de niño a "Paul" el chico de gafas en "Aquellos maravillosos años" Realmente no se a quien se le ocurriria difundir este rumor, pero lo cierto es que todos hablaban de ello y lo que llamaba poderosamente la atencion era que realmente creían que era cierto. La gracia de este rumor residia en que realmente marilyn manson y el chico tienen cierto parecido

Espero que este parecido físico no haya supuesto un trauma para el pobre Joshua D. Saviano, que es como realmente se llama el actor que interpretaba a Paul. Se retiró del mundo de la televisión al finalizar la serie y hoy en día cuenta con 32 años y trabaja como abogado

Esta es una foto donde se puede ver el rostro de John Savino en la actualidad. En fin, las pruebas las tienens simplemente buscando en google el reparto de la serie...

Otros rumores y tremendos disparates acerca de Manson

# Marilyn Manson murió de una sobredosis.
# Manson ha mandado que le asesinen en el escenario
# El Padre de Marilyn era un cura.
# Marilyn Manson come niños.
# Manson se ha operado para quitarse 3 costillas y así poder tener sexo oral consigo mismo.
# Manson tiene un ojo de cristal.
# Manson era un striper.
# Manson mato a una gallina en un concierno .
# Manson se orino en una cruz y mato a un perro como tributo a Satan, ambas cosas supuestamente hechas en la gira de ANTICHRIST SUPERSTAR cuando fue a Chile.
# Tiene el esqueleto de su abuela en su cuarto.

Kiss pisaba pollitos y hacia otras cosas horribles.

Cuando este grupo estaba en la cumbre, allá por la década del setenta, era muy común escuchar afirmaciones como que sus integrantes soltaban pollitos en el escenario y los pisaban con sus botas tachonadas de púas. Tal cosa jamas tuvo lugar, pero el look transgresor de la banda para la época (uso de maquillaje, fuegos artificiales en el escenario, Simmons escupiendo sangre) hacia más creíble la historia.

También se decía (y todavía hoy algunos siguen insistiendo) con lo siguiente:
1- Gene Simmons podía estirar tanto su lengua por en realidad le habían injertado la lengua de una vaca.

2- Usualmente los miembros de la banda acostumbran beber orina.

3- El nombre tenía un significado secreto, las siglas de Kiss escondían un mensaje: "Knights in Satan Service" ("Caballeros al servicio de Satanás"). Para otras versiones era "Kingdom In Satan Service".

4- Durante un show, Simmons utilizó su bajo, que tenía forma de hacha para decapitar a un espectador.

5- Cuando en 1977 el grupo firmó un contrato para lanzar un cómic lo hizo con su sangre. Esta es la única leyenda parcialmente verdadera. Pensada como una maniobra comercial, a cada uno de los cuatro integrantes le fue extraída un poco de sangre que luego de mezcló con tinta roja. Existe una foto de la banda rodeando un supuesto barril lleno de sangre, que como es lógico agigantaba el efecto.

Otras historias atribuidas a iconos del rock.

# Keith Richards y su cambio total de sangre.

La historia cuenta que en 1973, el guitarrista de los stones se sometió en Suiza a una transfusión total de sangre debido a su adicción al alcohol y las drogas.
Parcialmente verdadero. La internación tuvo lugar, pero no para hacer un imposible cambio total de sangre sino probablemente haya sido para alguna clase de hemodiálisis.

# Los Beatles fumaron marihuana en el palacio de Buckingham.

Falso. Antes de ser presentados a la reina, los beatles se encerraron en uno de los baños pero fumaron un cigarrillo común y corriente para vencer su nerviosismo. Lennon aclaro en varias oportunidades el suceso.

# AC/DC adoradores del diablo.

Algunos sacerdotes y grupos conservadores e incultos con mala intención decían que AC/DC quería decir After Christ Devil Comes (Después de Cristo viene el Diablo) o en español, Antes de Cristo/Después de Cristo. Los acusaban de satánicos, incluso algunos autores como el español René Labán hicieron libros y tratados para erradicar de este mundo el terrible mal de la música satánica. Al final no pasó nada, y en el caso concreto de AC/DC, cuyas siglas significan nada más y nada menos que Corriente Alterna/Corriente Directa.

# Ozzy se comio un murcielago.

Atentos, porque finalmente llegó una cierta: el ex Príncipe de las Tinieblas y actual Rey del Reality Show le mordió la cabeza a un murciélago muerto creyendo que era de goma. Veredicto: VERDADERO

# La noche de amor de Bowie y de Jagger.

¿Es cierto que Angela, la mujer de David Bowie, encontró a su esposo en la cama con Mick Jagger? La señora dijo que sí, pero después se autodesmintió ambiguamente. Conclusión: nadie, salvo los tres involucrados, sabe a ciencia cierta qué pasó en aquella alocada noche de los ’70. Veredicto: INCIERTO.

# Charly Garcia y su novia semi-muerta.

Dice el inconsciente colectivo que “Rasguña las piedras”, el clásico de Sui Generis, fue compuesto por Charly a una novia suya que sufría de catalepsia (esa enfermedad por la que la gente muere pero después, cuando ya está enterrada, revive). Una vez más, no. Veredicto: FALSO.

# Canciones con mensajes satánicos.

Como se menciono en la Pagina Principal hay quienes aseguran que “Stairway to heaven” de Led Zeppelin pasada al revés dice “mi dulce Satán”. Otros afirman que “Revolution 9” de los Beatles dice “excítame hombre muerto”. La verdad es que solo se oye un balbuceo inentendible en el que, quien quiere oír, oye.

Paul Mccartney esta muerto

La leyenda sobre Paul Mccartney tiene tantísimas versiones, que hace honor al éxito incontestable de los Beatles, me voy a centrar sólo en quizás la versión más extendida, pero no es la única otras versiones hablan de asesinato de la CIA, de que quedo desfigurado en un accidente, etc.

Centrándonos ya en la versión más popular, al parecer el 9 de Noviembre de 1966 Paul Mccartney sostuvo una fuerte discusión, por motivos nunca determinados, con sus demás compañeros de The Beatles; entonces, furioso, abandonó el estudio de grabación Abbey Road, subió a su automóvil y partió a toda velocidad no se sabe hacía donde. Como consecuencia del enfado que le dominaba, y de la copiosa lluvia que en ese momento caía, Paul no prestó atención al cambio de luces de un semáforo y, en una intersección, estrelló su Aston-Martin contra un camión de color amarillo y murió decapitado de forma instantánea.

Brian Epstein fue alertado del accidente por la primera patrulla policial que llegó al sitio del accidente y que verificó la matrícula del Aston- Martin. Brian logró que la policía no hiciese referencia a la muerte de Paul; sin duda alguna era el auto del Beatle, pero el conductor debió haber sido un amigo de él. El informe policial dejó constancia que un hombre joven, de largo cabello, habría perecido en el accidente, pero nunca se le identificaría.

Se pusieron en marcha entonces un montón de intereses, la discografica veía peligrar sus grandes beneficios, tanto si el grupo se disolvia, como si se buscaba un bajista que sustituyera a Paul, no hay que olvidar el carisma del mismo y su éxito entre las feminas, la gallina de los huevos de oro se podía acabar, por otro lado los restantes Beatles veían que su carrera musical, viajes dinero se podían ver muy mermados. Ante esta dura situación se reunieron los tres supervivientes, junto a Brian Epstein, y surgieron varias propuestas: decir la verdad y buscar a un sustituto, parecía la más lógica, desde luego, sin embargo Epstein hizó una propuesta un tanto descabellada en principio, acordándose de un concurso de imitadores de los Beatles, y en concreto de un joven de enorme parecido con Paul y que además tocaba la guitarra, lo propone como sustituto, y pese a las reticencias de John Lennon aceptan probar. Pero había un gran problema: Willian Campbell, nacido en Quebec (Cánada) no era zurdo como Paul y tampoco sabía tocar el bajo, sólo sabía tocar guitarra y tampoco la tocaba tan bien como Paul.

Ante esto se dedicarón a instruir a Willian a tocar el bajo con la izquierda, a la vez que mejoraban su técnica con la guitarra y otros instrumentos, esto unido a unos pequeños retoques de cirugía estética. Durante todo ese período, The Beatles no realizaran sesiones fotográficas y, casualmente, los datos del accidente coinciden con el anuncio de Peter Brown, el día 10 de Noviembre de 1966, de que The Beatles no volverían a dar presentaciones en vivo. Esta supuesta conspiración arrastró también a la entonces pareja de Paul, Jane Asher, quien, se separaría de Paul dos años después del supuesto accidente. Al cabo de un tiempo todo estaba listo, el nuevo Paul, William Campbell, se presentaría al grupo ya como Paul McCartney. Vestido como lo hacia Paul, bien estudiados sus movimientos y ademanes y dispuesto a dar el pego.

Otra prueba irrefutable es la voz y es en este campo donde más experimentos se han realizado. Pruebas de espectógrafo, análisis fonéticos realizados en laboratorio han demostrado que Los Beatles tuvieron tres McCartneys como cantante. Se supone que tras la muerte de Paul y hasta la sustitución por Willian Campbell, se buscó un sustituto vocal con urgencia para poder editar el disco anual navideño que el grupo regalaba a su club de fans. En ese caso se echó mano de un imitador de McCartney. Otras pruebas son el color de ojos, el perímetro craneal, la forma de la cara y las manos... La famosa cara de pan de Paul desaparece con William, quien posee facciones más acentuadas. Si os fijáis en el álbum blanco veréis una foto de Sir William luciendo una cicatriz en la barbilla, como consecuencia de algún retoque estético.

Foto del supuesto Willian Campbell????

Aquí empieza una historia de lo más delirante. Se supone que desde entonces, se llevó a cabo un doble juego con los fans: por un parte, ocultar este hecho; pero, por otro, mandar indirectas a través de las letras de las canciones y de las portadas de los discos para recordar este hecho: que Paul había muerto. He aquí algunas pruebas inquietantes: - El primer disco de los Beatles desde la supuesta muerte de Paul fue un recopilatorio en diciembre de 1966:

En esta portada vemos a un Beatle en primer plano con el rostro entre sombras,pero si vemos la siguiente foto ampliada, hay ya un detalle significatico un coche con las luces apunta directamente a la cabeza del desconocido escarabajo. - En ‘The Butcher’ , una recopilación de éxitos anteriores, el cuarteto aparece con un muñeco descuartizado. ¿Fácil para relacionarlo no? Sin embargo, apuntan a que justo al lado del supuesto Paul, lo que aparece es la cabeza del muñeco. Eso quería decir que murió decapitado en el mortal y trágico accidente. Por lo demás una de las portadas más horrorosas que recuerdo.

En la contraportada que curioso Paul esta casi dentro de una caja mientras los otros tres estan de pie.

- En otro disco poco conocido ‘Revolver’ , aparecen las cabezas de los cuatro Beatles, pero la de Paul es la única que no mira al frente, dando a entender que no es uno de los originales escarabajos. Además, un gentío que aparece entre sus melones, se mueven tras la cabeza de Paul, abierta. Y también sobresale alguien de su oído, como un gusano… Foto disco Revolver:

- La portada del célebre ‘Sgt. Peppers’ da mucho de sí: unas flores funerarias aparecen a los pies del bajo, el instrumento de Paul. El gentío mira hacia el montón de tierra formado por una tumba, supuestamente la de Paul. Hay tres palos encima del bajo, representando que quedaban 3 Beatles vivos por entonces. Hace poco murió George Harrison y en el 80 el mítico Lennon.

Más descabellado: supuestamente, las flores amarillas funerarias forman letras… y claro, pone “Paul”, yo no lo veo ni con lupa,pero abajo teneis la foto que cada cu´´al interprete lo que quiera, otra: El muñeco de la derecha tiene en la mano un coche blanco con el interior manchado de sangre. De nuevo es totalmente inapreciable incluso con lupa. Lo mismo que lo que sigue: dicen que debajo del anterior muñeco se puede ver un vaso con flores amarillas y que se ve un coche que ha caído desde un precipicio y del que salen llamas.

Para no dormir. Otra cosa: debajo de la letra “T” de los Beatles está el dios hindú Shiva, la divinidad destructora. Su mano apunta directamente a Paul. Y lo mejor: se ve una mano abierta encima de la cabeza de Paul. Según la tradición india, eso le pasa a la gente que va a morir o ha muerto recientemente. Además, en la portada posterior sale el grupo pero con Paul dando la espalda (ver).Y la letra de la canción que sale sobre la espalda de Paul tiene miga mirad el titulo en la foto.

- En el álbum ‘Yellow Submarine’ vuelve a aparecer Paul con una mano bendiciéndole (ver foto).

- Y la portada más genial: ‘Abbey Road’. Muchos fans de los Beatles se han obsesionado en interpretarla y hay que reconocerles la inventiva para sostener que Paul murió: Los cuatro aparecen en fila, como escenificando un cortejo fúnebre. La vestimenta de los cuatro nos sugiere que John va de predicador, Ringo de doliente, George de sepulturero y Paul, descalzo y con los ojos cerrados, de difunto.

Paul fuma con la mano derecha, pero era zurdo. Aparece con los ojos cerrados, porque no está vivo. Es el único que no avanza con el mismo pie que el resto: el izquierdo. Y va descalzo, símbolo de muerte. La matrícula del escarabajo –un Beatle- de la izquierda es ‘28IF’, algo así como que Paul tendría 28 años si… no hubiera muerto, claro. Esta misma matrícula empieza por "LMW", que quiere decir "Linda McCartney Waits", "Linda McCartney espera", su esposa por entonces.

En cuanto a las letras de las canciones, la frase del hit ‘Yesterday’ en la que dice “yo no soy el hombre que solía ser” es absurdamente utilizada para hacernos creer que iba con segundas. También "tú no sabes lo que te estás perdiendo, hombre de ningún sitio, ¿puedes verme?”, en el tema ‘Nowhere Man’. Pero hay más: en ‘Day in the Life’ se dice "él apagó su mente en el coche" y en ‘All You Need is Love’, al final de la canción, se escucha: “Sí él está muerto. Nosotros te queremos sí, sí, sí”.

Portada de revistas un tanto curiosas:

Si quedaron intrigados por este mito y quieren encontrar más "evidencias" que alimentan la teoría de la muerte del ex Beatle entrar a :

http://www.paulisdead.co.uk/

Guitar Heroes

2007-01-10T21:24:00.000-02:00

Guitar Heroes

2007-01-10T20:52:00.000-02:00